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Dec 15, 2023
Lo que no ves: meditando sobre la pintura monocromática coreana
El proceso creativo Hamin Kim 15 de agosto de 2023 Las pinturas aparentemente minimalistas de Dansaekhwa, o pintura monocromática coreana, contienen múltiples capas de tiempo, trabajo y el espíritu del creador. Por El proceso creativo Hamin Kim 15 de agosto de 2023 Las pinturas aparentemente minimalistas de Dansaekhwa, o pintura monocromática coreana, contienen múltiples capas de tiempo, trabajo y el espíritu del creador. Por Hamin Kim El término Dansaekhwa, acuñado más tarde por historiadores y críticos de arte, se utilizó para describir obras de arte coreano que comenzaron a ser exhibidas a mediados de la década de 1970 por artistas que compartían algunas características en sus obras, sobre todo el uso de una paleta monocromática. , a menudo blanco. Aunque estos artistas no estaban unidos por una ideología específica y no tenían un manifiesto, Dansaekhwa se convirtió en el movimiento artístico más reconocido del arte coreano moderno y contemporáneo. En la década de 1960, Corea del Sur experimentó un rápido crecimiento urbano e industrial, lo que dio lugar a una modernización que valoraba la estandarización y la eficiencia. Los artistas de vanguardia reaccionaron a esta transformación abrazando la influencia del arte abstracto occidental y lo que el influyente crítico de arte Clement Greenberg llamó “abstracción pospictórica”. Estos artistas combinaron una paleta monocromática con líneas y cuadrículas repetitivas para eliminar interpretaciones personales del mundo, eliminando todas las referencias a cualquier cosa fuera del lienzo, a la ilusión de realismo. Quizás es por eso que a menudo se malinterpretan como una forma de minimalismo, donde el toque del artista en la obra de arte suele ser limitado. Los Dansaekhwa, sin embargo, se centraron en la materialidad, en los medios utilizados para crear sus obras de arte. Se involucraron físicamente con la pintura y el lienzo, intensificando la experiencia de una pintura tradicional de dos dimensiones a tres. Sin título 84-3-8 (detalle), 1984 Chung Sang-Hwa. Acrílico sobre lienzo; 227,3 x 181,8 cm La frase del artista Frank Stella de que “lo que ves es lo que ves” puede resonar en muchas obras de Dansaekhwa, pero detrás de las superficies aparentemente simples e incluso monótonas hay una intensidad de trabajo invisible, el fruto de una tarea deliberada y meditativa. Se trataba del proceso de realización de la obra y del estado de existencia que evocaba en el artista. El resultado atrae al espectador hacia la obra, invitándole a mirar más de cerca. A continuación se ofrece un breve vistazo a los procesos creativos de tres artistas de Dansaekhwa en la colección del Art Institute: Park Seo-Bo, Chung Sang-Hwa y Ha Chong-Hyun. Park Seo Bo (nacido en 1931) es una de las figuras más influyentes del arte coreano del siglo XX, con una carrera que abarca más de 60 años. Como la mayoría de sus compañeros, exploró el Art Informel en la década de 1950, un enfoque del arte abstracto que enfatizaba la improvisación y la experimentación. Renunció a “expresar imágenes” porque lo impulsaba el deseo de vivir “a través de hechos naturales y puros”. Cuando inició su serie Ecriture en la década de 1970, se convirtió en uno de los primeros artistas de Dansaekhwa. En Ecriture 46-73, una de las primeras piezas de Park, el artista dibujó líneas repetidamente con un lápiz sobre una capa de pintura al óleo antes de que se secara. Park Seo-bo en el trabajo Fotografía del parque See-Bo, 2019 ©Fundación GIZI, Park Seungho Fotografía de Park Seo-Bo trabajando en su estudio de Hapjeong-dong, Seúl, Corea del Sur, 1977. ©Fundación GIZI, fotógrafo desconocido A medida que el lápiz grueso dibuja una línea en el lienzo, agregando otra capa a la pintura, también borra la pintura empujándola fuera del camino, revelando en consecuencia la materialidad tanto de la pintura como del lienzo. Casi como cantar un mantra, Park dijo que “el acto de repetición significa entrar en el reino del ekstasis [脫我, un estado de salirse de uno mismo], así como vaciarme de mí mismo”. Esto captura maravillosamente tanto las etapas iniciales de la serie de Park como la dirección en la que se dirigía Dansaekhwa. A través del acto de repetición, Park logró una superficie libre de ilusión. Sabía que tenía que explorar el mundo por mi cuenta, en lugar de simplemente heredar la tradición. —Park See-bo (The Korea Times, 31 de mayo de 2019) Chung Sang-Hwa (nacido en 1932) evita intencionalmente el camino fácil al hacer arte. El tiempo y la dedicación que se dedica a cada pieza a menudo deja a la gente asombrada. Primero, Chung cubre el lienzo con una gruesa capa de arcilla de caolín, un mineral suave y mayoritariamente blanco. Afirmó que “los colores gradualmente se volvieron pesados, se convirtieron en un obstáculo para el contenido”. Una vez que la arcilla blanca se ha secado, dibuja líneas de cuadrícula en la parte posterior del lienzo, que luego separa del marco y lo dobla a lo largo de las líneas, agrietando la arcilla. Reemplaza las escamas de arcilla perdidas con pintura al óleo. Chung Sang-Hwa en el trabajo © Chung Sang-Hwa, Galleryhyundai, Seúl © Chung Sang-Hwa, Galleryhyundai, Seúl © Chung Sang-Hwa, Galleryhyundai, Seúl Repite el proceso, colocando capas de pintura, doblándolas, despegándolas, acumulando al menos una superficie de diez capas. Este proceso extremadamente laborioso restringe a Chung a concentrarse en un solo trabajo durante seis meses a un año entero. Si bien es convencional tener aprendices o talleres, Chung se mantiene firme en trabajar solo, incluso a la edad de 91 años. Sin título 84-3-8, 1984 Chung Sang-Hwa. Acrílico sobre lienzo; 227,3 x 181,8 cm. © Chung Sang-Hwa, Galleryhyundai, Seúl El acto de aplicar pintura continuamente, esperar a que se seque y despegarla puede parecer irrazonable desde el punto de vista práctico actual, pero es la esencia de la filosofía de Chung. A través de su estética ascética, se esfuerza por mantener el equilibrio entre todos los elementos. El Sin título 72-12-A (abajo) del Art Institute es un precursor de su estilo característico. Las pinceladas comparativamente más expresivas ilustran el período de transición de Chung cuando vivió y experimentó con diversas técnicas en Japón. Rellenaba el lienzo con pintura blanca uniformemente de borde a borde para que todo el campo pareciera descompuesto. Luego quitaba la pintura seca de la superficie, dejando al descubierto tanto la tela de cáñamo marrón debajo como otras capas de diferentes tonos y acabados de blanco. Esta obra manifiesta visiblemente el tema en evolución de la moderación en medio de la acumulación de Chung a través del contraste entre lo pintado y lo no pintado, el plano y la pintura. Revelar es valorar la calidad de ello. —Chung Sang Hwa (Korea Herald, 24 de mayo de 2021) Ha Chong Hyun (nacido en 1935) cuestiona las convenciones y establece una perspectiva original hacia la idea de la pintura. Como muchos artistas de su generación, se vio impactado por la Guerra de Corea (1950-1953) y sus secuelas. Su uso de tela de cáñamo en lugar de lona, por ejemplo, resalta que si bien los materiales importados eran extremadamente caros en ese momento, el cáñamo estaba fácilmente disponible, ya que el ejército estadounidense lo había utilizado cuando enviaban materiales y artículos de primera necesidad durante la guerra. El vigor de Ha para luchar por la originalidad fue, y sigue siendo, puramente intencional. Tanto la pintura como la tela de cáñamo tejida se utilizan por su materialidad más que por su color y función. En lugar de pintar en el frente del lienzo, pinta en el reverso, empujándolo a través de la tela de cáñamo áspera y suelta para que sobresalga por el frente. Ha Chong Hyun en el trabajo Ha Chong-Hyun en su estudio en 2016 Cortesía del artista. Foto de Kim Sang-Tae Ha Chong-Hyun en su estudio en 2016 Cortesía del artista. Foto de Kim Sang-Tae A veces coloca la tela de cáñamo enmarcada en posición horizontal y otras veces la coloca en posición vertical para que la pintura gotee por la cara. Luego trabaja con las manchas de pintura en el frente, ya sea con sus propias manos o con una espátula. En su pintura Conjunción 81-79, la pintura cubre meticulosamente la parte posterior de la superficie, pero hay lugares en el frente que no lograron ocultar la tela de cáñamo. Las marcas rítmicas donde raspó la pintura revelan y acentúan los atributos de sus materiales. A veces acepta lo que hay y lo deja como está. Su Conjunción 79-31 (1979) se centra en los agujeros entre la tela de cáñamo tejida, que probablemente estiró antes de aplicar pintura. La pintura extruida parece gotas redondas que cuelgan de la superficie. El toque del artista sobre la superficie es mínimo, en este caso. © 1979 Ha Chong-Hyun El artista ha redefinido qué es una pintura, ignorando la convención de que la pintura es algo colocado encima del lienzo y explorando la tercera dimensión de una obra tradicionalmente plana. Fue un proceso realmente solitario porque requiere mucha mano de obra. En aquel entonces, incluso escuché a algunos decir que mi trabajo no era pintura. Creo que siempre he sido un experimentador a lo largo de mi vida. —Ha Chong-Hyun (Korea Herald, 26 de noviembre de 2020) Ya sean trazos de lápiz sobre papel, capas de líneas o pintura manchada, el tiempo y el trabajo del artista quedan capturados en estas obras. La naturaleza performativa de Dansaekhwa crea una experiencia háptica: tanto el artista como el espectador se sienten atraídos por las múltiples capas de experiencias sensoriales (mente y cuerpo) inspiradas en estas pinturas. —Hamin Kim, pasante curatorial de la Fundación Corea Un agradecimiento especial a la Fundación GIZI, Galería Hyundai y la galería Almine Rech.